Aprender a dibujar con una tableta gráfica. Dibujar en una tableta gráfica: programas, configuraciones, consejos. Verifique sus controladores

¿Quién no lo sabe? Una tableta gráfica es un dispositivo que permite a un artista digital imitar completamente el proceso de dibujo en papel. Una tableta gráfica consta de un “lienzo” electrónico y un lápiz, en lugar de un lápiz o un pincel. Funciona cuando se conecta a una computadora. El artista mueve el lápiz por el área de trabajo de la tableta y la línea que traza se muestra sincrónicamente en la pantalla de la computadora. Hay modelos que no requieren computadora. La pantalla ultrasensible está integrada directamente en la tableta.

El año pasado, ocurrió un momento que hizo época en mi vida. Mis queridos familiares contribuyeron y me ayudaron a comprar una tableta gráfica Wacom intuos pro S.

Entonces, las desventajas de dibujar en una tableta gráfica.

Primero. Si no sabes dibujar en papel, ni siquiera la tableta gráfica más sofisticada te convertirá en un artista.
Consejo. Aprende a dibujar tradicionalmente.

Segundo. Estilos. ¡Sus puntas desaparecen! Mucho más lento que las minas de los lápices normales, pero aún así, de vez en cuando tendrás que gastar dinero en este accesorio.
Consejo. Para retrasar el momento de la compra, haz bocetos en papel, finalízalos y coloréalos en el ordenador. ¿Por qué borrar el lápiz de un boceto rehecho cien veces?

Tercero. Por muy sensible que sea un bolígrafo electrónico, no puede transmitir todos los matices del pensamiento creativo de un artista, como puede hacerlo un lápiz normal. ya que un simple lápiz no tiene intermediario electrónico entre él y el papel.
Consejo . Practica más en pintura digital, estudiando todos los entresijos y capacidades del editor gráfico en el que dibujas. Y no olvide los tradicionales gráficos a lápiz. Cuanto más hábilmente dibujes en papel, más fácil te resultará dibujar digitalmente.

Cuatro. Desafortunadamente, los colores de tu dibujo dependen de tu monitor. Su trabajo se verá diferente en diferentes monitores. Además, algunos colores visibles en el monitor no se imprimen en papel, ya que las capacidades de la impresora pueden ser limitadas.
Consejo. Dibuja según la imagen de tu monitor. Es deseable, por supuesto, que el monitor sea el más moderno, con alta resolución.

Pero si no dibujaste para ti, sino para un cliente que va a imprimir tu creación, entonces tu dibujo, con ajustes. colores rgb, luego conviértalo a CMYK usted mismo.Porque tú sabes cuáles deben ser los tonos, pero los trabajadores de la imprenta no.

En general, recuerda. Dibuja a tu gusto en RGB, pero como la impresión siempre se realiza en CMYK, tú mismo conviertes el archivo y luego ajustas el dibujo como desees.Confirme con el cliente cualquier valor de color requerido que pueda perderse durante el escaneo o la fotografía.

Después de eso, no te preocupes más. La impresión y otros problemas asociados con esto ya son problemas del cliente. Todas las quejas sobre su impresora. Tenías todo aprobado.

Leí este consejo de vida en un artículo del ilustrador Greg Ruth.

Si te sientes triste después de leer este párrafo, no te preocupes... Aún tienes que esperar hasta que varias editoriales publiquen tu arte. Tendrás tiempo para decidir qué dibujar, qué convertir, dónde y a quién enviar...

Sí, a veces también dibuja ilustraciones tradicionales. para no perder el sentido de la realidad del color.

Quinto. Si planeas dibujar, usa un editor gráfico. Adobe Photoshop Entonces tenga en cuenta que este programa consume muchos recursos y no todas las computadoras pueden manejarlo. Necesitará una PC o computadora portátil potente para juegos. De lo contrario, si el tamaño del archivo es grande o hay una gran cantidad de capas, tanto el programa como su computadora simplemente se congelarán.
Consejo. hasta que lo consigas computadora de juego, aprende a dibujar usando programas "más fáciles". Por ejemplo GIMP o Paint Tool SAI.

Si ya estás dibujando Adobe Photoshop , entonces no olvides presionar el botón “Guardar” con frecuencia.

Sexto. Un corte repentino de energía o una congelación del programa pueden destruir por completo todo su trabajo.
Consejo. Déjame recordarte nuevamente: presiona el botón para guardar “Guardar” con más frecuencia.

Si la computadora se estropea, existe el peligro de perder todos los archivos para siempre. Por lo tanto, guárdelos, preferiblemente, en una unidad flash o en la nube. Es más confiable de esta manera.

Y por último, ventajas innegables.

Primero. La velocidad del dibujo digital es significativamente mayor que la del trabajo tradicional. Porque no es necesario mezclar pinturas durante tanto tiempo como en la realidad.
Y la velocidad también aumenta debido a la facilidad para corregir errores. Si cometes un error en un dibujo tradicional, tendrás que rehacer todo el dibujo desde el principio.
Si ha realizado un trazo o trazo incorrecto en la figura, simplemente presione el botón "cancelar" y su "jamba" desaparecerá.

Segundo.

Relacionado con el primero. Los clientes y editores prefieren a aquellos artistas que puedan completar el trabajo no sólo de manera eficiente sino también rápida. Porque muchas veces se necesitan ilustraciones para un libro “en una semana, pero mejor mañana, o incluso mejor ayer”.

Tercero. Si su dibujo en papel se destruye, por ejemplo, se quema o se derrama sobre el café, entonces este es el final. Con una versión digital del dibujo hay esperanza de resurgimiento. Puede perder su computadora, unidades flash y todos sus archivos, pero su trabajo digital estará “vivo” mientras exista el servidor donde lo cargó cuidadosamente. Y no tendrá que devolver al cliente el anticipo que ya ha gastado, ni disculparse por un retraso inesperado en la finalización del pedido, perdiendo irremediablemente su reputación. Dibujar digitalmente, aprender varios editores gráficos, secretos. gráficos de computadora , animación y modelado 3D, abrirán la puerta a mundo magico
arte digital. Y si eres joven y estás lleno de fuerza, entonces quién sabe... Tal vez algún día cultives los bosques de la Tierra Media, críes dragones y construyas ciudades élficas. ¡A por ello! Y si no eliges el espinoso camino de un artista, entonces convertirte en hombre de negocios o gerente y conocer bien tecnologías digitales , puedes hacerlo tú mismo profesionalmente pancarta publicitaria

o una marca registrada, cree y diseñe un sitio web para su empresa, ahorrándose una cantidad decente.

Eso es todo por ahora. Buena suerte con tu creatividad.

El flamenco rosado es un ave excepcionalmente elegante y hermosa. Intentemos dibujar un pájaro flamenco paso a paso.

Dibujaremos la vaca paso a paso usando un simple lápiz. Si lograste dibujar una vaca correctamente, puedes colorear el dibujo con pinturas o lápices.

Dibujar una bailarina es bastante difícil, ya que es necesario reflejar con precisión la plasticidad y la gracia del ballet. Pero, si dibuja paso a paso con un simple lápiz, entonces es muy posible hacer frente a esta tarea incluso para un artista novato. ¡Intentalo!

Los veleros hay que dibujarlos a partir de dibujos, ya que hoy en día es casi imposible verlos. Incluso en la imagen, el velero transmite el espíritu de romance y valentía de los marineros. Y quienes han visto el velero “en vivo” saben lo cautivador que resulta su aspecto, como si nos transportara a tiempos lejanos y valientes.

El camachuelo es un pájaro pequeño pero muy bonito y colorido. Intenta dibujar este pájaro paso a paso, primero con un lápiz y luego colorea el dibujo con pinturas o lápices de colores.

La lección sobre cómo dibujar una niña, a diferencia de otras lecciones, la reescribí varias veces. Espero que os guste más esta imagen de una niña dibujada en una tableta gráfica.

La liebre de esta imagen es gris, pero puedes cambiar su color. En el último paso de esta lección, basta con no pintar la liebre en absoluto. Para que el dibujo no se pierda sobre el fondo blanco del papel, dibuja un paisaje forestal invernal.

Intentemos dibujar un jugador de hockey en movimiento, con un palo y un disco, paso a paso. Quizás incluso puedas dibujar a tu jugador de hockey o portero favorito.

Esta imagen de un castor se hizo en una tableta gráfica, pero puedes usarla para colorear el dibujo del castor resultante con pinturas en la última etapa de la lección. Pero primero, dibujemos un castor paso a paso con un simple lápiz.

Dibujar un tigre es divertido, pruébalo. Paso a paso podrás dibujar el representante más raro y bello de nuestra taiga.

El sitio tiene otra lección de dibujo dedicada a un gato. Esta lección está diseñada para principiantes y niños que quieran dibujar un gato con un lápiz paso a paso.

Dibujos en una tableta gráfica. No salen peores que las fotos. Pero no te apresures a comprar una tableta; primero aprende a dibujar con un simple lápiz. Además, para dibujar incluso una mandarina en una tableta, necesitarás mucho tiempo y paciencia.

Es conveniente realizar un dibujo de una jirafa con un simple lápiz paso a paso. Si necesita hacer una imagen de una jirafa en color, puede utilizar este dibujo de una jirafa hecho en una tableta gráfica o buscar una fotografía adecuada en Internet.

El dibujo de Snow Maiden se realizó en una tableta gráfica por etapas. Puedes utilizar esta lección para dibujar a Snow Maiden con un lápiz normal.

Una cobra real con la cabeza levantada, lista para atacar, lucirá especialmente impresionante en la imagen. La zona aplanada del cuello, los colmillos en la boca abierta y una picadura bifurcada solo realzan este efecto.

Un ciervo tiene mucho en común con un caballo. Si ya has dibujado un caballo, dibujar un ciervo no te resultará difícil.

Dibujar un león es una tarea bastante difícil. Primero puedes “practicar” con tu gato. Haz algunos dibujos de tu gato favorito y luego podrás dibujar fácilmente un león. Puedes colorear la imagen de un león con lápices de colores usando mi dibujo en la tableta.

El canguro vive en Australia y este animal sólo se puede dibujar a partir de una imagen. Esta lección de dibujo te ayudará a dibujar un canguro paso a paso.

Intenta dibujar un gato paso a paso con un simple lápiz. Muchos animales, como el jaguar, el tigre, el león, etc., tienen la misma estructura y proporciones de cuerpo y patas. Aprende a dibujar un gato y podrás dibujar otros animales maravillosamente.

La sonrisa del lobo puede expresar el carácter del animal salvaje en tu dibujo. Los animales salvajes siempre son peligrosos para las personas y las fotografías realistas de animales deben tener esto en cuenta. En esta lección aprenderemos a dibujar un lobo paso a paso con un lápiz.

Un dibujo de un pájaro tucán es fácil de hacer. El tucán tiene varias diferencias muy notorias, gracias a las cuales no se puede confundir con otras aves.

El dibujo del pato se realizó paso a paso en una tableta gráfica. Pero no es necesario tener una tableta para hacer esto. Tome una hoja de papel y un lápiz afilado y seguramente obtendrá una hermosa imagen de un pato.

La rosa es la flor más bella y delicada. Dibujarlo no es difícil, solo es importante dibujar correctamente los contornos del cogollo. Pero sólo un artista experimentado puede transmitir el delicado y esquivo tono de los pétalos de rosa.

Al igual que otras lecciones de esta sección, el dibujo de un lirio se realizó en una tableta gráfica. Pero los pasos de la lección se pueden utilizar para dibujar de cualquier forma, incluidos lápices, rotuladores y pinturas.

De acuerdo, preferirías no dibujar una manzana así, sino morderla. Intenta dibujar una manzana como esta también. Este efecto no se puede conseguir con lápices de colores, pero pinturas de aceite la imagen puede resultar aún mejor.

Todo el mundo está seguro de que dibujar una margarita no es nada complicado. Quizás, pero si no puedes dibujar una margarita de manera hermosa y ordenada, quizás recuerdes que en mi sitio web hay una lección sobre cómo dibujar esta sencilla flor.

Esta es una lección muy simple e incluso un joven artista novato puede dibujar un girasol. Para que te resulte más fácil dibujar, te sugiero dibujar un girasol paso a paso con un simple lápiz. En el último paso, se puede colorear la imagen. Quizás entonces el dibujo del girasol sea el mismo que en mi dibujo hecho en una tableta gráfica.

Cada uno representa un ángel a su manera. Algunos lo ven como un niño con alas, otros lo imaginan como una niña. Sugiero dibujar una niña con alas. La combinación de colores de la imagen realizada en una tableta gráfica crea el efecto de ingravidez.

No es difícil dibujar un plátano. Basta con hacer la marca inicial en forma de rectángulo y dividirla en dos partes. Lo principal es poder pintar el plátano correctamente.

Dibujar una flor de tulipán no es difícil, especialmente si la dibujas paso a paso. Es mucho más difícil pintar un dibujo de tulipán con pinturas y transmitir con precisión todos los tonos de color.

A todos los niños les encanta hacer muñecos de nieve en invierno. Ahora intenta dibujar un muñeco de nieve, anotando tus impresiones en una hoja de papel.

Dibujar en una tableta a veces puede resultar todo un desafío. Tienes programas necesarios, y eso es básicamente todo, puedes empezar a dibujar. Todas las herramientas, incluso las más potentes, están a tu alcance. Todos los colores están listos para usar, no es necesario mezclar nada. Si acabas de pasar del dibujo tradicional a Photoshop, no es tan difícil; sólo necesitas encontrar copias de tus instrumentos favoritos. Sin embargo, si eres nuevo en ambos tipos de dibujo, la primera etapa se convierte en una pesadilla en la que no te das cuenta de que es un sueño.

El truco de Photoshop es su aparente simplicidad: aquí hay un conjunto de pinceles, aquí están todos los colores, aquí hay un borrador y aquí está el comando Deshacer. Empiezas a dibujar y el resultado no se ve bien, así que empiezas a buscar herramientas para intentar arreglarlo. ¡Y mire cuántas de estas herramientas hay! Los pruebas todos, uno por uno, y ocurre la magia.

Sin embargo, "magia" significa que dejas que Photoshop pinte por ti. No tienes control sobre ello, pero el resultado se ve mejor de lo que tú, un principiante, podrías lograr (al menos eso crees). Entonces dejas que sucedan cosas, creas un montón de dibujos con la esperanza de que algún día se conviertan en obras de arte.

Los artistas profesionales de tabletas utilizan Photoshop para dar vida a su imaginación, pero lo ven simplemente como una herramienta, no como una máquina de producción. ¿Cuál es la diferencia?

Los profesionales imaginan el efecto y obligan al programa a recrearlo.
Los principiantes obligan al programa a crear. algo, y si están satisfechos con el resultado, abandonan el efecto resultante.

¿El segundo os recuerda a algo? Si es así, sigue leyendo. En este artículo, te mostraré cómo mejorar diez aspectos de tu flujo de trabajo para que puedas convertirte en un artista consciente de Photoshop. ¡Con estos diez sencillos consejos comprenderás los errores que pueden haberte frenado durante mucho tiempo!

Tenga en cuenta que los problemas que he descrito se refieren a situaciones en las que el artista logra el efecto inconscientemente mientras intenta lograr un estilo realista. Si se planeó algo, ¡no es un error!

1. Tamaño de lienzo incorrecto

Comenzar Nuevo trabajo- Es más fácil que quitarle un caramelo a un niño. tu presionas Archivo > Nuevo(Archivo > Nuevo) o Control-N si te sientes más o menos cómodo con Photoshop. Parece que todo es tan sencillo que a veces la gente no nota los errores en esta etapa.

Aquí hay tres aspectos de este problema.

1. El tamaño del lienzo es demasiado pequeño

Así como los objetos están hechos de átomos, cada dibujo en Photoshop está hecho de píxeles. Probablemente lo sepas. Pero, ¿cuántos píxeles necesitas para crear un dibujo detallado? ¿200 a 200? ¿400 a 1000? ¿9999 a 9999?

Un error común de los principiantes es elegir un tamaño de lienzo que coincida con la resolución de su pantalla. ¡El problema es que nunca sabes qué resolución usará alguien que vea tu trabajo!

Imaginemos que en tu pantalla el dibujo se ve como en el ejemplo 1. Está abierto en toda la altura de la pantalla y no es necesario desplazarlo para verlo por completo, y estás contento con eso. Este es el tamaño más grande para su resolución, 1024 por 600. Los usuarios con resoluciones de pantalla de 1280 por 720 (2) y 1366 por 738 (3) tampoco tienen nada de qué quejarse. Pero preste atención a lo que sucede con los usuarios con resoluciones de pantalla más altas: 1920 por 1080 (4) y 1920 por 1200 (5). El dibujo ocupa cada vez menos espacio en la pantalla. Y para estos usuarios, ¡en realidad no hiciste el dibujo lo suficientemente largo!

Y no se trata sólo del "espacio en blanco" alrededor de tu dibujo. "Mayor resolución" no siempre significa " pantalla más grande" ¡Es posible que su teléfono inteligente tenga más píxeles en su pequeña pantalla que su computadora! Solo echa un vistazo:

Mismo tamaño, diferente resolución
Diferente tamaño, misma resolución

¿Qué quiere decir esto? Para otros observadores que vean su trabajo, la pantalla completa podría verse... así:

Pero el tamaño de tu dibujo no se trata solo de eso. Cuanto mayor sea la resolución, más píxeles tendrá la pantalla. En una resolución pequeña, el ojo puede ocupar 20 píxeles, mientras que en una resolución grande, ¡el ojo por sí solo puede ocupar 20.000 píxeles! ¡Imagínese las toneladas de detalles interesantes que se pueden crear en un área tan grande!

Aquí tienes un truco genial: cuando dibujas algo pequeño en alta resolución, no importa lo descuidado que sea, existe la posibilidad de que desde la distancia se vea genial a propósito. ¡Intentalo!

Una resolución más alta le permitirá acercar hasta los detalles más pequeños.

2. El tamaño del lienzo es demasiado grande

¿Significa esto que siempre debes usar una gran resolución para tener más libertad? Teóricamente, sí. En la práctica, esto no siempre es necesario y, a veces, es completamente imposible.

Cuanto mayor sea la resolución, más píxeles habrá en un trazo típico. Y cuantos más píxeles tenga, más difícil será para su computadora procesarlo, especialmente cuando se trata de soportar niveles de presión con diferentes cantidades de pintura. Y éste es el argumento práctico en contra de tal solución: se necesita una solución muy computadora poderosa, para que le resulte conveniente trabajar con mayor resolución.

El segundo argumento está relacionado con el hecho de que se necesitan altas resoluciones para trabajos muy detallados. Contrariamente a la creencia popular entre los novatos, no es necesario detallar todos los trabajos. Incluso si desea dibujar de manera realista, puede ignorar con seguridad la gran cantidad de información contenida en una fotografía, porque lo que vemos en la vida no se parece en absoluto a una fotografía.

Cuando utiliza más resolución de la que necesita, es posible que desee agregar un par de detalles aquí y allá, simplemente porque puede. Y una vez que empiezas a hacer esto, no hay vuelta atrás. Hay muchos niveles de detalle, pero un diseño determinado sólo necesita ajustarse a uno de ellos a la vez. Si desea crear rápidamente un hermoso abrigo, no pase horas en los ojos y la nariz; esto solo hará que todo el patrón parezca fragmentado e inacabado.

3. El tamaño final es demasiado grande

Imaginemos que has encontrado la resolución perfecta para tu trabajo. No es demasiado grande ni demasiado pequeño y es perfecto para el nivel de detalle que necesita. Pero todavía hay margen para cometer un error más: que la resolución era su tamaño de trabajo. Es posible que haya necesitado muchos píxeles para llegar a esos pequeños detalles en sus ojos, pero esos detalles seguirán siendo visibles desde lejos.

¿Por qué dejarles ver estos detalles desagradables...?

…si sólo pudieras hacer visible lo que hay que ver?

Antes de guardar el archivo, cambie su tamaño. no te diré lo mejor resolución óptima, porque simplemente no existe. La regla es: cuanto más detallada sea la imagen, menos detalles se perderán si se muestra en alta resolución. Cuanto más se parezca un dibujo a un boceto, mejor se verá en baja resolución. Si desea obtener más información sobre esto, consulte qué resolución utilizan sus artistas favoritos cuando publican su trabajo en línea.

Una cosa más: al cambiar el tamaño de una imagen, compruebe qué algoritmo de remuestreo funciona mejor para usted. Algunos de ellos hacen que la imagen sea más nítida y es posible que no quieras eso.

2. Comienza con un fondo blanco.

Esto puede parecer trivial: ¿qué tiene de malo el fondo blanco? Bueno... él es neutral, ¿verdad? Parece un trozo de papel.

El problema es que no existen colores “neutrales”. "Transparente" es lo más parecido a esto, pero es imposible pintar. El color es color. Cuando aparecen dos colores, se produce una determinada reacción por sí sola. Por ejemplo, si es blanco + color A, la relación será “el color A es oscuro”. No importa lo que te propongas hacer, ¡comenzarás con un color oscuro simplemente porque elegiste el fondo más brillante posible! Todo parece oscuro en comparación.

El mismo color cambia su brillo relativo en cada fondo.

En el arte tradicional utilizamos Fondo blanco, ya que técnicamente es más fácil colocar lo oscuro sobre lo brillante que al revés. ¡Pero cuando se dibuja en una tableta, no hay razón para esto! De hecho, incluso puedes empezar con un fondo negro, pero es tan malo como el blanco puro. En la práctica, el color más "neutral" es 50% gris (#808080).

¿Por qué? El color de fondo transforma tu visión de otros colores. Sobre un fondo blanco, los colores oscuros parecerán demasiado oscuros y los evitarás. Sobre un fondo negro sucederá lo mismo, sólo que con colores vivos. El resultado en ambos casos es un contraste débil, que notarás cuando intentes cambiar el fondo. Aquí está la prueba:

Yo también comencé este dibujo. fondo oscuro, y luego quise cambiarlo por uno más brillante, ¡y simplemente me cegó!

Los artistas experimentados pueden comenzar con cualquier fondo que quieran y hacer que funcione al máximo, pero a menos que se sienta seguro de su conocimiento de la teoría del color, comience siempre con algo neutral, ni demasiado oscuro ni demasiado brillante.

3. Evitar contrastes fuertes

Por supuesto, a veces su percepción de la luz y la oscuridad puede verse sesgada por una mala calidad de la pantalla. Si usa una computadora portátil, es posible que haya notado cómo cambia el contraste cuando mira la pantalla desde diferentes ángulos. ¿Cómo conseguir un contraste que todos vean correctamente, independientemente de la pantalla?

Incluso si tienes buena pantalla, después de un largo periodo de tiempo en el trabajo, tu percepción tampoco será la ideal. Si cambias los tonos gradualmente, paso a paso, el contraste puede verse bien simplemente porque es mejor que cinco pasos atrás. El siguiente artículo podría verse bien...

...hasta que lo comparas con un objeto con un contraste más fuerte. Y quién sabe, tal vez si compararas el segundo con el tercero, entonces tal vez su contraste, tal como lo percibimos, disminuiría automáticamente.

Photoshop tiene una herramienta que ayuda en esta situación. Se llama Niveles(Niveles) y esto es en realidad un histograma: muestra cuánto de cada color hay en la imagen. Puede abrir esta ventana haciendo clic Imagen > Ajustes > Niveles(Imagen > Ajustes > Niveles) o tecla de acceso rápido Control-L.

¿Cómo funciona? Eche un vistazo a estos cuatro ejemplos:

Cantidades casi iguales de blanco, negro y medios tonos.
Sólo negros y medios tonos.
Sólo blancos y medios tonos.
Sólo blancos y negros, casi sin medios tonos.

¿Puedes leer esto en el histograma?

Puede cambiar los niveles arrastrando los controles deslizantes. Si bien esto reduce la cantidad total de tonos, ayuda a ubicarlos en el lugar correcto en el histograma.

El histograma nos muestra que nuestro sujeto tiene muchos medios tonos, pero también una falta visible de áreas claras y oscuras. No importa lo que veamos, ¡eso es lo que dice nuestra computadora! Si bien no existe una receta perfecta para los niveles (depende de la iluminación de la escena), una gran falta de áreas oscuras y claras es una mala señal.

¡Mira lo que sucede si acercamos los controles deslizantes al centro!

El contraste ha cambiado bien, pero como resultado la combinación se ha visto afectada, ya que ahora hay menos tonos medios. ¡Pero no es difícil arreglarlo manualmente!

¿Hay alguna forma de utilizar los tonos adecuados desde el principio para que todo esto no sea necesario? Sí, ¡y de hecho te llevará menos tiempo de lo habitual! La solución es utilizar menos tonos: oscuros, brillantes, medios tonos y un poco de blanco y negro.

Para hacerlo en la práctica, antes de empezar a dibujar, planifica la iluminación de la esfera:

Dibuja un círculo y rellénalo con el color más oscuro (no se recomienda el negro).
Agrega un tono medio.
Agrega tu color más brillante (no se recomienda el blanco).
Añade uno o dos medios tonos en el medio.
Agrega un poco de blanco y negro.

¿Ves todas estas partes en el histograma? Cuando los combinamos, esto es lo que sucede. Utilice esta esfera como conjunto de referencia para su sujeto, sombreándola de la misma manera: sombra más oscura, tono medio, resaltado más brillante, áreas más oscuras y resaltados más brillantes. ¡Y luego puedes mezclarlo todo!

Y una cosa más. Si comparas de nuevo estos dos cabezales, uno con el contraste correcto desde el principio y otro con el contraste corregido, verás la diferencia. Por lo tanto, aumentar el contraste en realidad no arreglará tu dibujo si usaste los colores incorrectos en primer lugar: cada material tiene su propio espectro de tonos. Por ejemplo, la parte más oscura de una superficie blanca será mucho más brillante que la parte más oscura de una superficie negra. Esto significa que debes preparar tantas esferas como sea posible, ya que hay muchos materiales involucrados en tu dibujo.

Recuerde: ¡un objeto claro con una sombra oscura es tan malo como un objeto oscuro con tonos claros!

4. Usar pinceles demasiado complejos y trazos demasiado grandes

Cuando comparas los pinceles tradicionales con los de Photoshop, la diferencia es tan grande que te sorprenderá saber que tienen los mismos nombres. Después de todo, con los pinceles clásicos sólo puedes crear trazos más o menos caóticos, mientras que los pinceles en Photoshop crean una obra de arte en sí mismos.

Aquí viene el punto clave. Si ellos crean algo por su cuenta, ya no tienes el control. Los artistas profesionales trabajan la mayor parte del tiempo con trazos simples, apoyándose periódicamente en otros más complejos. El uso diario de pinceles complejos no solo te hará sentir más perezoso, sino que también te impedirá aprender cómo lograr el efecto tú mismo, ¡ya que no es necesario!

Al comienzo de su aventura de dibujo en tableta, es natural intentar crecer lo más rápido posible. Quieres resultados aquí y ahora. Los pinceles personalizados son la respuesta a esta pregunta. Si quieres pelo, aquí tienes un cepillo para pelo; Si quieres escamas, aquí tienes un pincel como este. No puedes dibujar algo: descarga una herramienta que pueda hacerlo.

Los pinceles personalizados no son malos y, de hecho, son bastante útiles. El problema viene cuando los utilizas como base de tus "habilidades". Si realmente pasaras tiempo tratando de descubrir cómo dibujar pelaje rápidamente, te darías cuenta de que en realidad no está formado por pelos que deban dibujarse uno a la vez. Entenderías que nuestra visión de algo muchas veces no coincide con la realidad. Aprenderías a mirar y a crear lo que ves, no lo que crees que ves.

En cambio, te rindes después de pasar media hora pintando los pelos y buscas un pincel que lo haga por ti. Lo encuentras, estás feliz, estás listo para seguir adelante. Es tan fácil que se convierte en un hábito y dejas de aprender por completo; preferirías descargar todas las funciones si fuera posible.

Pero ¿cómo superan esto los artistas? No tienen un juego de cepillos tan grande. ¿Cómo dibujan pelaje? La respuesta es sencilla: lo mismo que harías si no tuvieras los pinceles adecuados. Si quieres mejorar, si quieres superar esta maldición del principiante, olvídate por ahora de los pinceles complejos. Trabaja con un conjunto sencillo como este y aprende a sacarle el máximo partido. No tomes el camino fácil cuando las cosas se pongan difíciles. Siga esto y obtendrá una experiencia invaluable en lugar de trucos baratos.

Aquí no se utiliza cepillo de pelo.

Trazos demasiado grandes

Otro error común con los pinceles es utilizar trazos demasiado grandes. Esto, nuevamente, tiene que ver con la impaciencia. La regla es que el 80% del trabajo requiere el 20% del tiempo dedicado a ello, lo que significa que debes dedicar el 80% del tiempo a terminar tu dibujo. Si has hecho el boceto, la base, los colores planos y el sombreado simple en dos horas, aún quedan ocho. ¡Además, verás menos progreso en estas ocho horas que en las dos primeras! ¿Qué tan desalentador suena esto?

Esto se puede ver claramente en las obras intermedias que los artistas a veces muestran a sus audiencias. Los primeros pasos son enormes: crear algo a partir de la nada. Y luego el proceso se ralentiza. Apenas se puede ver la diferencia entre las últimas etapas y, sin embargo, ¡este pequeño cambio puede haber tardado más que todos los anteriores!

¿En qué punto pararías?

Ese es el problema. cuando tu dibujo casi completado, sientes la necesidad de terminarlo rápidamente y observar el resultado. Pero en este punto, de hecho, deberías comenzar! Recuerdo un comentario debajo de una captura de pantalla del proceso de trabajo: "Me detendría en el paso cuatro [de diez]". ¡Esta es la diferencia entre un principiante y un profesional! Porque la segunda parte de la regla es la siguiente: estos últimos, lentos e imperceptibles 20% del trabajo influyen en el 80% del efecto final.

La solución es sencilla. No debes completar el trabajo con trazos grandes (a menos que estés pintando a gran velocidad). Son apropiados al principio, durante ese 20% del tiempo. Úselos para dibujar formas, determinar la iluminación y agregar grandes áreas de color. Y luego reduzca gradualmente el tamaño, amplíe la imagen, límpiela y agregue detalles. Verás que el trabajo va llegando a su fin cuando trabajes con un pincel muy pequeño y con un diseño muy agrandado. En general, cuantas más áreas de tu pintura toques con el pincel (y cuanto más las cambies, como agregar una ligera diferencia de brillo o tono con un trazo muy pequeño), más perfecta aparecerá.

Esta regla también tiene un lado agradable. Dado que el 80% del trabajo no contribuye realmente al efecto final, no es necesario concentrarse demasiado en ello. Comience rápida y fácilmente y guarde sus esfuerzos para más adelante. Recuerda: no es necesario completar todos los dibujos simplemente porque tú los empezaste. ¡Al descartar algo en lo que no crees, ahorrarás cuatro veces el tiempo que ya has invertido!

5. Usar demasiados colores

No hay muchos colores “confeccionados” en el arte tradicional. Los artistas necesitan aprender a mezclar estos colores para lograr el efecto deseado. Este inconveniente es realmente maravilloso. No tienen otra opción y tienen que aprender la teoría del color. Como artista en ciernes que trabaja en una tableta, todos los colores están disponibles para ti en todo su esplendor. ¡Y esto es una maldición!

No entendemos los colores intuitivamente; esto no es necesario en nuestro La vida cotidiana. Pero como artista tienes que cambiar completamente tu perspectiva. Ya no puedes confiar en la intuición porque no funciona bien en este tema. Debes dejar de pensar en el color como estás acostumbrado y comprender los conceptos de tono, saturación, brillo y luminosidad.

Los colores no existen por sí solos. Se basan en relaciones. Por ejemplo, si desea que los colores sean más brillantes, puede aumentar su brillo o disminuir el brillo del fondo. El rojo, al ser un color cálido, se vuelve cálido o frío según el color adyacente. ¡Incluso la saturación cambia debido a las relaciones!

Incluso el tono del color puede cambiar según el entorno. ¡Y este conocimiento es muy importante para dibujar, y no solo para diseñar, como podría pensar!

Un principiante, sin saber todo esto, llena su dibujo con un conjunto de colores aleatorios. Ellos eligen algún tipo azul entonces algún tipo verde, sin saber por completo que están eligiendo entre miles de otros colores con tintes verdosos y azulados, ¡y que todos ellos tienen un cierto poder!

Así ve los colores un principiante:

Azul
azul sucio
Gris
Negro

Pero… ¿para qué necesitamos tantas flores si no sirven para nada? La respuesta es: no son inútiles en absoluto. Sólo necesitas entender de dónde vienen y qué significan. Veamos un ejemplo de un profesional eligiendo colores:

azules desaturados
azules ricos
Azul brillante
Azul oscuro

¿Parece demasiado complicado? Quizás, ¡pero eso no es motivo para ignorar este aspecto! Si eso le resulta demasiado difícil, limítese a la escala de grises por un tiempo. Domina la iluminación, las sombras y la combinación y tendrás buena base para el futuro. Además, los colores (o más bien los tonos de color) son la guinda del pastel que es tu obra de arte. Pueden hacerlo más dulce, pero no pueden ser su base. ¡Ninguna cantidad de glaseado puede convertir un pastel malo en uno bueno!

6. Seleccione colores directamente desde la fuente

Es muy difícil no ceder a esta tentación, tan difícil que dan ganas de llorar. Estoy familiarizado con esto. Sin embargo, si realmente quieres aprender a dibujar en una tableta, no debe usa la herramienta Cuentagotas(Cuentagotas) para seleccionar un color de la fuente. ¿Por qué es esto tan importante?

Los principiantes suelen utilizar un naranja/rosa desaturado como color de piel. Esto parece obvio, pero el efecto estará lejos de ser natural. Sin embargo, si usas la fuente... ¡es una historia completamente diferente! Casi cada píxel tiene su propio color, no sólo rosa: puedes encontrar rojos, amarillos, naranjas e incluso morados, verdes y azules. La saturación y el brillo pueden cambiar todo el tiempo y, sin embargo, el efecto final no parece un caos.

Cuando seleccionas colores de una fuente, tu dibujo se vuelve nueva vida. El problema es que esto no es tan diferente de la copia directa. Cuando copias, terminas con líneas que no replicarías por tu cuenta, y cuando tomas colores de la fuente, terminas con hermosos tonos que no podrías igualar por tu cuenta. El efecto es sorprendente, pero no es culpa tuya.

Hay algo mas. Esta selección de colores ralentiza tu progreso. Puedes "comprar" un conjunto de colores en lugar de aprender a crearlos tú mismo. Tienes una rueda de colores con todos los controles deslizantes; Cada color que elijas puedes repetirlo tú mismo, sin que te lo pidan. Pero aun así decides utilizar los que ya se han creado: es rápido y eficaz, pero ¿sabes qué es aún más rápido y eficaz? Fotografiar.

Para algún día independizarse de las fuentes, es necesario aprender a ver los colores. Mire cualquier objeto cerca de usted: ¿cuál es su tono de color, brillo y saturación? Increíblemente difícil de decir, ¿no? Pero si sigues eligiendo colores con un cuentagotas, nunca lo dominarás. No puedes empezar una carrera si el coche todavía lleva neumáticos de práctica.

Todos estos materiales fueron extraídos por mí de la fuente, pero sin el cuentagotas. Como principiante, empieza con cosas sencillas: cuantos menos colores, mejor.

7. Agregar colores a escala de grises con brillo incorrecto

Hice este dibujo en 2011. Es, por supuesto, un dibujo dulce y amable, y todavía me gusta. Recuerdo haberla dibujado en escala de grises y luego agregarle color usando quizás un par de modos de fusión ( Color, multiplicar, superponer) (Color, Multiplicación, Superposición). También recuerdo haber tenido un problema molesto: ¿cómo conseguir el amarillo correcto al pintar en tonos de gris?

No tengo el original, pero así es como probablemente se vería el dibujo en tonos de gris. Observe que tanto las áreas amarillas como las verdes son igualmente oscuras. ¡En realidad esto no es cierto!

Cuando era un principiante como tú, pensaba que la luz aclaraba todos los colores por igual y la sombra oscurecía todos los colores por igual. Por eso el dibujo en escala de grises parecía tan convincente. Podría concentrarme en el sombreado y añadir color más tarde. Desafortunadamente, este truco no funcionó y me llevó mucho tiempo (principalmente porque no me esforcé mucho) descubrir por qué.

La respuesta sencilla es que diferentes colores tienen diferentes brillos, que son independientes de la iluminación. Cuando ignoras esto, terminas con colores turbios. A los colores que agrega directamente a un dibujo en escala de grises les falta un componente importante.

Ambas cabezas tienen los mismos colores, agregados usando el modo de color. Tenga en cuenta que lo importante no es la capa de color, sino lo que hay debajo.

8. Sombreado con las herramientas Sobreexponer y Subexponer

Herramientas Esquivar(abrillantador) y Quemar(Dimmer) son casi siempre los favoritos de los principiantes. Estas herramientas encajan con la creencia de que Photoshop es un "programa para colorear". Todo lo que tienes que hacer es seleccionar los colores principales y luego las áreas que deseas sombrear. El resto está controlado por algoritmos complejos, y no por ti, lo cual es genial; de todos modos, no sabrías qué hacer.

Sin embargo, no es fácil. Estas herramientas no son del todo inútiles, pero si eres principiante, es mejor que te mantengas alejado de ellas. Estas no son "herramientas de sombreado". La herramienta Sobreexponer no equivale a "agregar luz" y la herramienta Grabar no equivale a "agregar sombra". El problema es que se adaptan tan bien a la visión del principiante sobre el sombreado que es muy difícil evitar la tentación.

El problema no está en las herramientas, sino en la falta de comprensión del sombreado en sí. Los principiantes suelen creer que los objetos tienen un determinado color y que ese color se vuelve más oscuro en las sombras y más brillante en la luz. No es tan fácil. Puede que funcione con sombreado de celdas o al dibujar dibujos animados, pero aun así es sólo un pequeño truco.

Si “parece” funcionar, ¿por qué no utilizarlo?

Esta es otra técnica que ralentiza tu progreso. Cuando lo usas, ni siquiera notas lo que te estás perdiendo. El sombreado es un tema complejo y lo limitas a la regla "más oscuro-más claro", porque es más fácil. Photoshop necesario para trabajar Para tu no en lugar de tú. No dejes que esto detenga tu aprendizaje.
Esto hace que el objeto sea plano. No importa cuánta textura agregues más tarde, funciona exactamente como un pincel grande, lo que significa que puedes comenzar a pintar con él, pero definitivamente no terminarlo de esa manera.
Esto distorsiona los colores; deberían depender del entorno (luz directa, luz ambiental), pero ni Dodge ni Burn tienen idea del fondo que estás usando. ¡Sombrean todo por igual!

Hay un año de diferencia entre estos dibujos. Sombreé el primero usando Dodge y Burner, y el segundo solo con comprensión del color.

Sombreado con blanco y negro.

Una extensión de esta técnica es el sombreado, utilizando blanco para las luces y negro para las sombras. Esto surge de la creencia de que todo color comienza con el negro (en las sombras) y termina con el blanco (en la luz). Si bien esto puede ser cierto para fotografías subexpuestas o sobreexpuestas, no debería ser una regla que se aplique a la pintura.

todos estamos mirando reglas simples, algo fácil de recordar y utilizar. Pero eso no significa que debamos inventar reglas simples que no tienen relación con la realidad, como: “agrega blanco para hacerlo más brillante y agrega negro para hacerlo más oscuro”. ¡Solo se aplica a dibujos en escala de grises!

Sombreado uniforme

Cuando resuelvas el problema anterior, es posible que te encuentres con otro. Imaginemos que has elegido el naranja como color principal de tu personaje. También decides que la fuente de luz será amarilla y la luz ambiental será azul (cielo). De acuerdo con esto, cambias el tono del color base a amarillo en las luces y a azul en las sombras, y listo. Por supuesto, el sombreado será mucho más interesante si utilizas blanco y negro, pero sigue siendo un truco que no necesariamente producirá el resultado deseado.

¿Por qué es esto un truco? Al elegir sólo tres colores primarios para tu personaje, automáticamente lo ubicas en un entorno artificial donde todo refleja el color de una forma 100% predecible.

En realidad, la luz rebota constantemente en todo lo que la rodea, incluidas las “colinas y valles” de su objeto 3D. En consecuencia, el sombreado rara vez puede limitarse a un par de colores. El color azul del cielo puede hacer que algunas sombras de un sujeto parezcan azules, pero en otras áreas oscuras pueden aparecer verdosas debido a la luz que se refleja en la hierba. Además, algunas sombras pueden incluso ser brillantes y saturadas debido a la luz que ha pasado a través de ellas. a través de obstáculo en la “sombra”.

Si tienes esto en cuenta y decides utilizar fuentes de luz indirectas para añadir más variedad a tus sombras, tendrás que dibujar de forma más consciente, ¡y eso es genial! Aquí no debes utilizar un pincel grande ya que mezclará los colores y acabarás perdiéndolos. ¡Y un pincel pequeño significa que estás creando textura sobre la marcha!

9. Difuminar con un cepillo suave

Hay dos métodos principales que utilizan los principiantes para mezclar tonos y ambos están diseñados para crear un efecto rápido:

Difuminar con un cepillo suave
Mezclando con herramientas Difuminar/Desenfocar(Dedo/Desenfoque)

Como ya hemos aprendido, los resultados rápidos a menudo implican falta de control. En este caso, mezclar con trazos grandes hace que el objeto parezca más plano y anormalmente suave. Incluso si agregas una foto de la textura después, no ocultará este efecto “plástico”. Repito, este método sólo sirve para la etapa inicial.

Si desea una textura fresca y sutil (que es buena para casi todos los materiales naturales), use un pincel más rígido donde la cantidad de pintura se controle mediante la presión del bolígrafo (cuanto más fuerte presione, más densa saldrá la pincelada).

Este tipo de pincel te permite controlar la cantidad de color que necesitas.

Gracias a esta propiedad, no es necesario mezclar el borde entre dos colores. Simplemente comienzas con un color base y luego levemente cúbrelo con otra cosa. A continuación puedes añadir otra capa del mismo color, haciéndola más densa.

Si desea que todo quede más suave, simplemente elija un color en algún lugar en el medio y cepille ligeramente a lo largo del borde entre los colores.

Para realzar la textura, utilice un pincel texturizado (de bordes duros).

Según la regla 80-20, no te preocupes por mezclar al principio. Utilice un pincel grande para afinar los bordes, creando una especie de sombreado exagerado.

Luego, puedes usar un pincel texturizado más pequeño para mezclar los bordes de los colores. Sin herramienta Mancha(Dedo), sin cepillo suave, solo una herramienta Cuentagotas(Pipeta) y su pincel duro con una cantidad variable de pintura. Recuerde: la mezcla depende de la textura de la superficie, por lo que no puede utilizar el mismo tipo de mezcla para todos los materiales.

10. Usar texturas 2D para formas 3D

La fotografía de texturas para un principiante es la medida más extrema, donde el objeto está teóricamente terminado, pintado y sombreado, pero aún parece un juguete de plástico. Sin embargo, la textura misma puede empeorar las cosas.

Imaginemos que queremos añadir textura a este gran felino.

El objeto debe ser sombreado antes de agregar la textura. La sutileza es que no tiene por qué ser un sombreado completo. El método de mezcla depende de la textura: si mezcla sin pensar en la textura, terminará con un tipo de mezcla sin textura (superficie lisa).

Puede descargar una textura de Internet o utilizar un patrón de Photoshop; hay muchos ajustes preestablecidos disponibles. Este es mi patrón favorito para crear texturas a escala: malla de ventana invertida ( nota del traductor: estamos hablando acerca de(sobre la textura de una puerta mosquitera, que en los hogares americanos suele estar situada delante de la puerta de entrada, la textura equivale a una mosquitera).

Si cambia el modo de fusión de texturas a Cubrir(Superposición), verás cómo funciona con el sombreado. Sin embargo, tenga en cuenta que algunas partes son más brillantes. Esto puede ser una ventaja para usted si no ha hecho un buen trabajo con el sombreado, pero es otro ejemplo de pérdida de control de la situación. En la mayoría de los casos no queremos que la textura haga su propio sombreado. Si bien el modo Superposición no es el más la mejor decision, te permite ver cómo se ve la textura en un objeto.

Ahora, la parte más importante que siempre se pasa por alto. Si se supone que un objeto es tridimensional, no se puede cubrir bellamente con una textura bidimensional. Necesitamos cambiar su forma según la figura en la que encaja. Hay tres formas principales de hacer esto: experimente y encontrará su favorita:

Herramienta Gratis Transformar Modo (Transformación libre) (Control-T) Deformación(Deformación)
Filtrar > Licuar(Filtro > Licuar)
Editar > Deformación de marionetas(Edición > Deformación de marionetas)

Para esferas es mejor usar Filtro > Distorsionar > Esferizar(Filtro > Distorsionar > Esferizar)

Antes de usar la deformación de marionetas

Después de usar la deformación de marionetas

El modo Superposición ilumina las partes de la capa que están cubiertas por áreas blancas de la textura. Podríamos usar el modo en su lugar Multiplicar(Multiplicar) (hace que las áreas blancas sean más transparentes), pero haría que los tonos grises sean más oscuros de lo necesario. Existe otra herramienta para ajustar la transparencia de la textura.

Haz doble clic en la capa y juega con los controles deslizantes. Mezclar si(Superposición si). En definitiva, con ellos podrás ajustar la transparencia del blanco y del negro.

Mantenga presionada la tecla Alt para "romper" el control deslizante y lograr un efecto más suave.

Necesitamos entender que hay textura. No es un "patrón aproximado" colocado directamente sobre el objeto. De hecho, se trata de una superficie irregular. Cuando la luz golpea superficie lisa, se refleja de manera integral. Si la superficie es rugosa, por ejemplo, formada por pequeñas protuberancias y depresiones, la luz que incide sobre ella creará muchas sombras diminutas: esta es la textura que vemos.

De esto se puede sacar una conclusión más. Si la luz crea una textura visible, sin luz no puede haber textura. ¿Qué es la sombra sino falta de luz? Por lo tanto, debemos reducir la visibilidad de la textura en áreas oscuras (si hay luz reflejada) o eliminarla por completo (sin luz, sin textura). Puedes usar una máscara de capa para esto o jugar con los controles deslizantes. Mezclar si(Superposición si) (segunda fila). Recuerda que los hoyuelos en la textura son en realidad sombras, por lo que no deben ser más oscuros que el área de sombra "normal".

El mapeo de texturas será rápido y fácil una vez que sepas qué hacer después de seleccionarlo. Sin embargo, este no es el final. Todas las texturas son diferentes y, si bien algunas lucen geniales cuando se aplican directamente, la mayoría aún necesitará algo de trabajo.

Aquí se aplica nuevamente la regla 80-20. Agregar textura es fácil, pero lleva tiempo lograr que se vea bien. En mi ejemplo, mezclé los bordes del sombreado usando hojuelas individuales. Cosas como estas requieren mucho tiempo, pero marcan la diferencia. Todo!

En la primera esfera superpuesta, la textura está en modo Superposición con baja transparencia para que no se note demasiado; Lo mismo con el segundo, pero se aplica distorsión. Compárelos con el último, que aplicó una configuración personalizada de Fusión si y corrigió manualmente la fusión.

Conclusión

Como hemos observado, la mayoría de los problemas de los principiantes surgen del deseo de conseguir grandes resultados sin hacer ningún esfuerzo y lo más rápido posible. Así que no se trata de una falta de habilidad, sino más bien de la creencia de que Photoshop es un programa para hacer arte. Esto lleva a una búsqueda constante de herramientas y trucos, en lugar de esforzarse más e intentar comprender y resolver el problema.

No puedes convertirte en un artista digital de la noche a la mañana solo porque compraste un profesional editor gráfico. Photoshop es sólo una herramienta, ciertamente es más cómodo de usar que los pinceles y las pinturas, pero sigue siendo una herramienta. ¡Él puede hacer más de lo que quieres! Si quieres sacarle el máximo partido, trátalo como un lienzo digital para pintura digital. Olvídese de todas esas sofisticadas herramientas, filtros, pinceles o modos de fusión. Simplemente dibuja como lo harías en papel.

Aprenda la teoría del color, la perspectiva, la anatomía: todas estas cosas que los artistas "normales" deben comprender. Con el tiempo, comprenderá cómo utilizar las herramientas de Photoshop para hacer las mismas cosas de forma más fácil y rápida, pero no se adelante a la locomotora intentando crear efectos interesantes sin comprenderlos en absoluto. ¡La paciencia es la clave de todo!

En el mundo del diseño cada vez se dedica más espacio a aplicaciones que facilitan el trabajo con programas gráficos. La posición de liderazgo entre todos los dispositivos la ocupa una tableta gráfica.

Es gracias a él que los diseñadores modernos han recibido una serie de ventajas, como la facilidad para dibujar ilustraciones hasta el más mínimo detalle (lo que no sería posible lograr con un mouse) y la capacidad de controlar el grosor de la línea del lápiz dependiendo sobre la presión aplicada.

en un programa Ilustrador Adobe Puede dibujar en una tableta utilizando herramientas como un lápiz, un pincel y una brocha. Hablaremos de ellos en este artículo. Pero nos centraremos específicamente en cómo configurar dichas herramientas para trabajar con una tableta gráfica.

Me gustaría señalar que la herramienta Pincel es más conveniente para dibujar dibujos que consisten en líneas de diferentes espesores, y la herramienta Lápiz es la más adecuada para dibujar siluetas.

¡Empecemos!

Configurar la herramienta Pincel

Haga doble clic en el icono de esta herramienta en la barra de herramientas para que aparezca una ventana con la configuración. Ahora conozcamos los parámetros de la herramienta Pincel.

Rellenar nuevos trazos de pincel: cuando seleccionas esta opción, el programa aplica un relleno al trazado, lo que resulta especialmente útil al dibujar trazados cerrados.

Mantener seleccionado - cuando esté seleccionado este parámetro el programa deja el camino seleccionado después de terminar de dibujarlo.

Área de edición para contornos seleccionados: cuando selecciona esta opción, puede realizar cambios en el contorno seleccionado.

Dentro de: _ píxeles (disponible al seleccionar la opción anterior): muestra qué tan cerca deben estar los píxeles del pincel de un trazado existente para poder realizar cambios en el trazado.

Configurar la herramienta Pincel de manchas

Haga doble clic en el icono de esta herramienta en la barra de herramientas para que aparezca una ventana con la configuración. Ahora conozcamos los parámetros de la herramienta Pincel de manchas.

Mantener seleccionado: cuando se selecciona esta opción, el programa mantiene automáticamente los contornos seleccionados mientras continúa el dibujo.

Fusionar solo con el área seleccionada: cuando se selecciona esta opción, el programa fusiona el nuevo trazo con el seleccionado existente.

Precisión: muestra hasta dónde puede mover el pincel antes de que el programa agregue automáticamente un nuevo punto de anclaje. Los valores disponibles oscilan entre 0,5 y 20 píxeles. Cuanto mayor sea el valor que establezca, menos complejo será el contorno que cree (con menos puntos de anclaje) y, en consecuencia, será más suave.

Antialiasing: muestra el grado de suavizado al dibujar. Los valores disponibles oscilan entre 0 y 100%. Lo mas alto valor porcentual elija, más suave será el contorno al dibujar.

Tamaño: establece el tamaño del pincel.

Ángulo: elige el ángulo de rotación del cepillo.

Redondez: muestra la redondez del pincel (cuanto mayor sea su valor, mayor será la redondez).

Configurar la herramienta Lápiz

Haga doble clic en el icono de esta herramienta en la barra de herramientas para que aparezca una ventana con la configuración. Ahora conozcamos los parámetros de la herramienta Lápiz.

Desviación: responsable de la frecuencia de agregar nuevos puntos de anclaje al dibujar con un lápiz. Cuanto mayor sea el valor, menos afiladas serán las esquinas y viceversa.

Suavidad: responsable del grado de suavidad al dibujar. Cuanto mayor sea el valor, más suave y uniforme será el contorno creado.

Rellenar nuevos trazos de lápiz: esta opción permite al programa aplicar un relleno al trazo. Antes de dibujar, no olvides elegir un color de relleno.

Mantener la ruta seleccionada: seleccionar esta opción le permite mantener la ruta seleccionada después de crearla.

La zona de edición para rutas seleccionadas determina si la ruta seleccionada se puede editar o fusionar cuando el puntero está a cierta distancia de ella (especificada por el siguiente parámetro).

Dentro de: 20 px. (disponible si se selecciona la opción anterior): muestra qué tan cerca debe estar el lápiz de un trazado existente para poder realizar cambios en el trazado.

Para devolver la configuración predeterminada, simplemente haga clic en el botón Restaurar.

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Es extremadamente importante que un artista moderno aprenda a transferir los resultados de su talento no solo al papel, sino también a la pantalla de la computadora. Hay que tener en cuenta que no es lo mismo dibujar en una tableta gráfica que trasladar imágenes mentales al papel. Así que tenga paciencia. Además, después de recibir un producto valioso, debe configurarlo y solo entonces comenzar a dominar el programa para trabajar con imágenes gráficas.

Este artículo le dirá cómo elegir, configurar una tableta gráfica y aprender a dibujar en ella.

Dónde empezar. elección g Tableta gráfica

La tarta de manzana comienza seleccionando manzanas del mercado local. Cualquiera que desee un éxito sorprendente al trabajar con una tableta gráfica debe elegirla sabiamente.

tabletas gráficas difieren no solo en el costo, sino también en el propósito. Decide tú mismo para qué necesitas una tableta: ¿dibujar, editar fotografías, comunicarte? Enumeremos los modelos más famosos.

La opción más económica hoy en día es el modelo. Bambú, que es muy adecuado tanto para la oficina como para el trabajo a domicilio. Todo lo que dibujes en la tableta se mostrará en la pantalla de la computadora.

Conexión de bambú Adecuado para dibujo y comunicación. Modelo similar a ella - Bambú Chapoteo.

Captura de bambú- el modelo más popular. Bueno para editar fotografías y dibujar.

Crear bambú- el mas modelo caro Línea de bambú.

Tableta gráfica wacom Intuos Dirigido a usuarios profesionales.

La más cara y prestigiosa es la tableta gráfica. Wacom Cintiq. Le permite ver el dibujo en la propia tableta y no en la pantalla de la PC.

Equipo y configuración

Después de la compra, la tableta gráfica estará impecable; será necesario configurarla. Para hacer esto, debe descargar los controladores en el sitio web de su modelo de tableta o usar el disco de instalación.

El lápiz, que siempre viene con la tableta, también se puede utilizar como ratón, moviéndolo sobre la superficie a una altura de dos centímetros. Si quieres dibujar, debes hacerlo directamente sobre la superficie. ¡Cómodo!

Además, el botón en el lateral del bolígrafo reemplaza botón derecho ratones. Y usando el anillo de la tableta, puedes cambiar la escala de la pantalla.

Familiarícese con los accesorios del lápiz y acostúmbrese a ellos. Para acelerar el proceso, siéntese frente a su computadora con una tableta gráfica cuando no esté trabajando en imágenes.

Una vez configurada la herramienta de trabajo, puede proceder directamente a la formación.

Sitios web y canales de vídeo para ayudar a los aspirantes a artistas

Los siguientes recursos te ayudarán a dominar la profesión de ilustrador y mejorar tus habilidades:

... - lecciones sobre cómo trabajar con una tableta gráfica para principiantes. El vídeo explica cómo trabajar con un boceto, un tutorial y cómo transferir ilustraciones del papel al formato digital.

- página de la escuela de diseño conceptual. Aquí aprenderás cómo dibujar arte conceptual en tableta wacom V programa photoshop. Hay un autor programa gratuito sobre los conceptos básicos del dibujo constructivo utilizando materiales tradicionales con una combinación de habilidades de dibujo en una tableta gráfica. Es posible un análisis gratuito del trabajo específico de un estudiante.

Lecciones de dibujo y pintura digital en Photoshop (y no solo) tanto para artistas profesionales como para aficionados. También aquí podrás encontrar trabajos de diferentes ilustradores, sus conceptos y bocetos.

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